说起古典音乐，总感觉是一种严肃的东西，也是很难感受的一个世界。我自己虽是从5岁起就开始练习古典钢琴，但就和被迫去学堂的感觉一样。我对古典音乐本身真正感兴趣是从经常住院的小学生时代开始的。一、二年级时，躺在医院的病床上读一些作曲家的传记，读过贝多芬和舒伯特的传记，于是便怀揣着“这些人到底是怎样的一个生活方式呀”的好奇，购买了他们的专辑。
因此，重要的是契机吧。这和是否理解艺术的无关……那样的事跟本无所谓。只要简单地认为“真是好听的旋律”就行了。我自己听了古典音乐之后，受到了很大影响并学到了不少东西，这就是一个契机啊。不是很有意义的一件事吗？
根据最初的企划，这一次，挑选出了在X的乐曲和音乐会上被大家熟知的某些曲目，如果，接下来要再次推出的话，就要改变其中的布局，加入鼓和钢琴的元素。好想自由地做出充满更大可能性的ALBUM。

——YOSHIKI谈

“如果，可以使一个瞬间与自己全部的人生具有同等密度存在着的话，那这个瞬间就拥有了与永远对等的光辉和荣耀。”
YOSHIKI是这样说明自己的哲学——“瞬间美学”的。从瞬间到永远，甚至连时间流逝的意义都要追寻。热爱着那些跨越了数个世纪的古典音乐， YOSHIKI的这种精神理念，也许是再自然不过的事情了。这就是为什么在古典音乐家的作品中，那些被他们创造出来的跨越了瞬间流传到现在，至今仍在许多人的心中存活着的音符，能够作为“永远的存在”而不断持续着的原因。这张YOSHIKI自己亲手挑选的古典乐专辑，不仅包含了这样的意义，连 YOSHIKI复杂广阔的人格精神性也一并蕴含在了其中。同时，更包含了YOSHIKI自己给予我们的意味深长的启示。以下，编者剪辑了一些 YOSHIKI的评论，一面来对收录作品做个简单的介绍吧。

1、G小调小赋格
J·S·巴赫（1685～1750）

不必多说，这首曲子是成为创作“Rose of Pain”（收录在“Blue Blood”中）动机的中心思想，最近在X的音乐会上（“Violence In Jealousy”巡回演出），YOSHIKI在钢琴solo中演奏了这庄重与阴郁交错的曲子的一个段落。
“在读Elizabeth Bathori（匈牙利女伯爵，1560-1614）的故事时，脑海中就浮现出了这段旋律。于是，在创作这首曲子的时候，什么东西就很自然的和这旋律一起在脑海中鸣唱了。” YOSHIKI说。
巴赫毕生都是一名虔诚的路德教派信徒。在教会中担当风琴演奏师，创作并留下了许多弥撒曲和受难曲。感性的YOSHIKI敏锐地察觉到了巴赫的音乐中那描写18世纪当时基薄雾浓云愁永昼督教应有的“肃穆”与“残酷”，于是将这个灵感娴熟的融合在了“Rose of Pain”的创作中。

2、G小调叙事曲1号
F·F·肖邦（1810～1849）

“曲子后半段的杀气很重” YOSHIKI评价道。这首曲子是25岁的肖邦在抱病中第一次病发吐血后创作出来的作品。
用不断忍受着病痛折磨的肉体进行创作活动，这里不可避免地要提到YOSHIKI自己。不仅作为一个作曲家，同样也是一流的钢琴演奏师的肖邦，与既是作曲者又是演奏者的YOSHIKI之间重叠的部分还是很多的。YOSHIKI这样说道：
“因为是演奏者自己来完成所创作曲子的演奏，所以如果一旦认为只有自己才能演奏好这首曲子的话，便会自己演奏，弹奏是作为演奏者对其作品的追求就渐渐开始了。果然，我与肖邦产生共鸣的地方还是很多呀。”
将贵族般的华丽色彩与忧郁同时表现出来，追求钢琴音色的深意与超越了当时一般常识的演奏技法。肖邦将其短暂的一生都献给了钢琴。肖邦的人生，也许可以说成是YOSHIKI某一方面的凝缩吧！

3、最缓板
G·F·亨德尔（1685～1759）

在音乐会进行到一半的时候，手捧玫瑰花束的YOSHIKI为了弹奏钢琴solo而慢慢走向钢琴的那个过门时，流泄出来的背景音乐就是这首亨德尔的曲子。
亨德尔将其人生的大部分精力都花在了实现歌剧的普及与近代化所作的斗争上。换句话说，是为了改善身为作曲家及指挥者自身的艺术环境。举例来说就是，要想成为更好的艺术家，就必须以创业者和事业家这种生意人的身份与艺术创作时那完全不同性质的现实进行对抗。引用存在着相同矛盾的YOSHIKI说过的下面这段话：
“总觉得有什么地方很相似呢。但是，直面音乐时候的样子真的是很疯狂。姑且不说希望有人能理解，至少希望不受到他人的打搅。但是，单单只是为了能够这样，就不得不让大家用一般的常识—— “畅销”和“流行程度”来进行判断。因此，创作时才充满了疯狂，被现实的事情所羁绊真的是很讨厌的一件事。只是想要一个好的创作环境啊……”

4、G小调小提琴协奏曲
J·西贝柳斯（1865～1957）

“演变成了和想象中不一样的演奏，虽说冲击感稍有减弱，但是很喜欢小提琴的这种嘶哑般、近似于即将要崩溃的那种充满了紧张感的和弦。” 这首作品是立志成为年轻的小提琴家的西贝柳斯，为了自己熟知并且热爱的小提琴，历经多年修改编整最终完成的作品。相互摩擦的琴弦在即将爆发之时的状态下所形成的无比紧凑的紧张感，漂浮在压抑着的音调中的悲伤感，以及和弦的爆发感等，真是一种隐藏在表面下的疯狂的美感啊。这可以说是最能够鲜明体现深爱着这一切的YOSHIKI选曲意图和审美意识的作品。顺便再说一下，西贝柳斯是本专辑精选至现在的作曲家中唯一一位生活在20世纪的音乐家。

5、月光
L·V·贝多芬（1770～1827）

在X的音乐会上，当YOSHIKI即将进入壮绝的drum　solo之际被使用的这首曲子，是贝多芬献给邂逅的“一生最爱的女人”——Julia Guicciardi（女伯爵，1784-1856）的一部作品。
充满了无由来忧愁情绪和悲伤旋律的这第一乐章，在世界范围内流传甚广。
“这首曲子能增加紧张感呢。为了提高自己的紧张意识，在开始drum solo表演之前也用到了这首曲子。”
但是，贝多芬的这段恋情却无疾而终了。并且从那以后失聪的二重悲剧又接踵而来。这使贝多芬甚至想到了要自杀。但是，从绝望的深渊又重新站立起来的贝多芬，留下了这样一句名言“是艺术把我拉了回来”。
“无论是多么痛苦的事，都会被艺术所改变。这种痛苦也许也可以说成是一种快感吧……但是，这不也是为了自己而写的曲子吗？正因为是首能够治愈濒临绝望的自己的充满了力量的曲子，所以想要表达的东西不是就已经传达到了吗？”
在L.A.制作《Jealousy》时，回想起曾在过去多次触碰到“心灵的地狱”的YOSHIKI，所说的这番话是沉重的。

6、西西里乡村舞曲——降E调奏鸣曲
J·S·巴赫

“巴赫的曲子都是些主旋律，没有副旋律及伴奏。由旋律与旋律构成的曲子是划时代的构想，我的作曲中受它影响的部分也有很多。” 运用和声与对位法技巧的真髓，追寻巴赫在乐谱上留下的“构成手法”的痕迹。可以说YOSHIKI和巴赫有很多产生共鸣的地方。与此同时，这种不受约束的创作构思，也是以Deep Purple（深紫乐队）为首，还有其他许多艺术家将巴赫的曲子作为自己创作契机的原因所在吧。

7、克拉伊斯雷里安娜
R·A·舒曼（1810～1856）

这首曲子被称为是以德国浪漫主义为基础的舒曼所作的钢琴曲中的一部巅峰之作。也是舒曼赠予先前介绍过的音乐家——肖邦的一首曲子，作为回礼肖邦将收录在这张专辑中的可以称得上是“G小调叙事曲1号”的“续篇”——“G小调叙事曲2号”回赠给了舒曼。这就是YOSHIKI的感性吧：即使是从众多的选项中挑选，无意中也会选取相互间有某种联系的作品。这多半就是“直觉”之类的东西在起作用吧。
“即使是这样，也献上了很棒的曲子呢。听完之后便能清楚地了解到了，这是在最低靡的精神状态下所创作出来的曲子啊。”
正如YOSHIKI所言，当初的这首曲子，是舒曼写给与他虽然彼此相爱但又不得不分开的女性的（最终两人还是结合了）。曲子本身充满了这段悲恋给舒曼所带来的灰心丧气。是舒曼被朋友的死和内部纠纷以及各种各样来自外界的困难层层包围的时期里创作留下的作品。
“要是被赠予这么可怕的曲子，女人也会害怕的吧。这正是“Jealousy（猜忌）”。这首曲子是现在drum solo中最高潮的部分使用的背景音乐。”通过这46年绝不能算得上长的人生，舒曼将那些绘画般的，宇宙般广阔的艺术作品尽数留了下来。但舒曼的人生却还是受到了先端恐怖症、头晕、躁郁病、幻觉、无力状态、分佳节又重阳裂症、听力障碍、发作性发狂等种种的疾病的困扰，过着被精神性发狂持续折磨的生活。这首曲子便暗示了舒曼壮绝的后半生。

8、沃尔塔瓦河
B·斯美塔纳

这首曲子是斯美塔纳从1874年开始持续了6年的创作才最终完成发表的由6首曲子构成的组曲—— “我的祖国”中最著名的一首。侵略、吞并和被大国摆布着命运的小国波西米亚（捷克斯洛伐克），在这个国家出生的斯美塔纳，有着强烈的民瑞脑消金兽主主义精神和爱国心，并且，失去了听觉后，开始了对自己人生进行种种的思考……这一切全部都被倾注在了自己创作的曲子上，沃尔塔瓦河的两处发源地混合成了一条小河，不久又变成了大河，一边看着祖国各种各样的风景，最终汇合并注入到了易北河中，这首曲子充满诗情画意般的表现力，并且是以叙情诗的手法来谱写完成的。 “上高中的时候，在一次比赛中，我弹奏了这首曲子的钢琴伴奏部分，但是一直把这件事给忘记了，还是不久前被director津田先生这么一说“想让 YOSHIKI听这首曲子呢，很像YOSHIKI的风格哦”才去听的，于是就突然想起了还有这么一回事。自然而然的就受到了它的影响。不过，是很棒的曲子哦！旋律中能感受到力量，很有共鸣呢。”

9、G弦上的咏叹
J·S·巴赫

正如从这一次的专辑光巴赫的曲子就选出了3首（这个最多的数字）来判断一样，YOSHIKI也说“要是被问到‘最喜欢的作曲家是谁？’的话，我现在一定会回答是‘巴赫’。”这首曲子是drum solo结束后，YOSHIKI在反复敲击铜钹时使用的背景音效。
“最初是想传达给大家drum　solo带来的感动才选用了这首曲子，但是我自己却先被感动了。drum　solo之后，无论是肉体上还是精神上都接近了支离破碎的状态，虽说是优美华丽的旋律，却没有包围自己，而是直刺向了我的内心……所以，在那样的状态下一听到这首曲子眼泪就流了出来。这不仅仅是简单的旋律而已，同时也蕴含着杀气。但是，真的不想让它作最后一首歌。就象X的Album――“Jealousy”里的歌曲排列一样，结束的时候还富含了余韵……”

和X的乐曲有关的就是这些，虽说都是多少给了YOSHIKI一些提示的东西，但是YOSHIKI决不会对大家说“好好的理解他们吧”这样的话，“即使无法理解或赞同也没有关系，听完之后就交给个人自己来判断吧” YOSHIKI采取了这样的态度。因此，听完了这张音乐精选合辑的人，会有什么感想都无所谓，况且也没有全部都要喜欢的必要。

YOSHIKI认为，听了这些启发自己精神性的东西的人，应自由地循着自己固有的感性，扩大想象的空间，能做到这个也是十分重要的事。已经膨胀丰满起来的形象，不正是连YOSHIKI本人都无法完全理解的无数精神模式中的一种“真实”的东西吗！

——羽積秀明　FOOLS’ MATE

尾声：

所谓音乐，就是声音啊，

仅仅是发出的鸣响，

它不需要任何的制约或被循规蹈矩所束缚，

何况艺术种类的壁垒这东西本身就无关紧要。

我听一切类型的音乐，古典乐、摇滚乐、朋克、爵士……等等

好听的曲子无论是什么种类的，只要好听就能触碰到心灵。

自己什么都喜欢，即使也许会被说成没有原则，那样也无所谓。

我只是纯粹地喜欢着音乐……

1、 C大调弦乐小夜曲第一乐章 作品第48号(柴可夫斯基)
演奏：柏林爱乐乐团
指挥：卡拉扬（Herbert von Karajan)

这首柴可夫斯基的弦乐小夜曲在“DAHLIA TOUR”中,从某种意义上来说可以被认为是能把YOSHIKI对生活的态度用音乐形式具体表现出来的作品。并且是作为YOSHIKI的drum solo中前奏部分的声效(SE)被使用着。
“因为很喜欢这首曲子,前一张的[YOSHIKI SELECTION]中也有收录。总觉得这是首能使自己情绪高昂,融合了紧张感与高扬感的曲子。”
正如YOSHIKI所感受到的, 柴可夫斯基在音乐中表现了 “人类在命运面前苍白无力,人类无法支配命运” 这样一种深刻的主题。基于这种想法, YOSHIKI在“向肉体的极限和医学常识挑战”的激烈drum solo的前奏部分加入了这首曲子,即使在鼓手生涯受到威胁的今天,YOSHIKI依然向残酷的命运挑战,选编了这张合辑,并在开始部分依然选择了这首曲子。
从中我们可以窥视出YOSHIKI娴熟运用其敏锐音乐嗅觉的才能。

2、 无言歌第十四首 作品第34号(拉赫曼尼洛夫)
演奏：柏林爱乐乐团
指挥：洛林·马泽尔(Lorin Maazel)

12岁进入莫斯科音乐学院,19岁就被世人认可的俄半夜凉初透国伟大的作曲家,伟大的钢琴家拉赫曼尼洛夫。最先发现他的才能就是上面提到过的柴可夫斯基。但是,就在第二年,柴可夫斯基在自己声名最鼎盛的时期自我终结了生命。由此产生悲观情绪的拉赫曼尼洛夫写了《悲歌三重奏》作为祭奠献给柴可夫斯基。
本专辑开头的这两首紧挨着的曲子,本是无意识地被选在了一起,不知不觉中相互竟产生了如此意义上的关联。YOSHIKI这种无意识的行为充分展现出了他不可思议的感性。
后来, 拉赫曼尼洛夫在俄半夜凉初透国大革莫道不消魂命后亡命瑞典,辗转于欧美各国之间,晚年时虽难以抚平心中对故国的浓浓乡愁,最终仍是在落山矶终其一生。

3、 a小调第三号风琴曲(弗兰克)
演奏：彼得·哈佛（Peter Hurford）

“说起前回充满实验性的一面,是因为所谓的个人SELECTION基本上没什么先例可言,只是觉得有趣才尝试的。这次我想做对于自身来说更具深意的东西,因为我喜欢管风琴和风琴音乐,所以这里面完全是兴趣的世界。”
当欧洲音乐界正被作为综合艺术的歌剧所倾倒时, “崇高的风琴家,风琴作曲家,教育家”——弗兰克却与其背道而驰,在风琴音乐中探索能超越歌剧的其他音乐的可能性。
为了赋予故国——法莫道不消魂国的青年作曲家们自己的创作精神, 弗兰克自成一派——“弗兰克派”,并因此声名大噪。对那些无论多年轻的作曲家,都不以师自居,而是以友相称。这种精神,或许可以说是YOSHIKI主办的 “Extasy record”在百年之前的雏形。
这部赞美诗是弗兰克临终前的最后一部作品，明显刻有他印记的反主流颠峰之作。 弗兰克的手法和精神正通过“弗兰克派”后继者们以风琴交响乐的形式永远地传承下去。

4、 升c小调第五交响曲第四乐章(马勒)
演奏：爱乐管弦乐团
指挥：西诺波里 (Giuseppe Sinopoli)

这首交响曲是诗人吕克特的遗作诗集再配以乐队的演奏。诗集的标题是《追悼亡子之歌》，也就是这首交响曲的副标题。再说马勒自己,1907年长女因病去世， 1904年这首曲子完全写成的时候,马勒与妻子和两个女儿还过着幸福的生活。他的妻子爱尔玛曾这样追述道“马勒抱着我们的孩子,轻轻抚摸着她的面颊,大约 30分钟后写出了这首祭歌……为那首诗谱曲就好象是用音乐预示了他的人生,真是向命运的一种挑战啊”。
这里又一次出现了“向命运挑战”这样的关键词,这首曲子也作为前奏出现在了YOSHIKI的另一张solo section的piano solo里。
“知道吗……在写曲子的时候会有一种预感。我也一定会在若干年后,用自己的曲子抚平心伤……我已经不记得多少次用曲子解救过自己了。所以现在写着曲子,是为了拯救未来的自己。曲子和自己之间,总是有一种不可思议的联系啊。”

5、 G大调第一无伴奏大提琴组曲序曲 作品第1007号(J·S巴赫)
演奏：富尼埃（Pierre Fournier）

“那个时代的曲子至今仍然被聆听着,实在是件很棒的事啊。连我自己也受了相当大的影响。即便是X,在主旋律和编曲的脉络上也常常使用巴赫的手法。另外,我喜欢弦乐,特别是小提琴和大提琴,所以这是一首一定要收入进本专辑的曲子。”
深得YOSHIKI宠爱的弦乐器具有“紧张感”的特性,如果说前作中被选入的西贝柳斯的“小提琴协奏曲”是此中代表的话,那么这首曲子可以说被渗透了弦乐的另一个特质——深度性。同时,说起在日本江户时代初期就能写出、即使拿到现在来看也毫无古旧之感的旋律，这一事实真是令人惊叹。确实可以被称为是“永远的存在”的作品啊！

6、 抒情组曲第四乐章(贝尔格)
演奏：柏林爱乐乐团
指挥：卡拉扬（Herbert von Karajan)

“这是在drum solo结束时根据当时的状况,我倒下的那一刻响起的曲子。是首具有相当现代感的作品啊。”正如YOSHIKI所说的,贝尔格扮演连接着后浪漫派和现代音乐桥梁的角色，在音乐中导入数学概念和12音技法的奥地利作曲家。“抒情组曲”是被公认的最早运用12音技法的作品。具有规则性的12音技法和自由的作曲法(如本曲的第一乐章)共同出现在这首曲子中,但依然成功地保留了作品的样式和统一感。贝尔格和前面提及的马勒的妻子爱尔玛的义妹汉娜福克斯坠入了热恋, 并用她名字的缩写HF和自己名字的缩写AB组合成HFAB的和弦，在第6乐章的重要部分的段落中反复使用。从中也可以窥视中原本是文学青年的贝尔格浪漫主义的那部分。

7、 c小调第二钢琴协奏曲第二乐章 作品第18号(拉赫曼尼洛夫)
钢琴独奏：斯维亚托斯拉夫·里赫特（Sviatoslav Richter）
伴奏：华沙爱乐乐团
指挥：魏斯洛基（Stanislaw Wislocki）

这是拉赫曼尼洛夫登场的第2首曲目。 拉赫曼尼洛夫在28岁的时候才写成的这部作品获得了空前的成功,因而被评论为“使其他作品的存在感荡然无存”的代表作。 “这首曲子的部分被用于piano solo中。听了这个selection后,听众可能就会理解我之前铺垫的一些暗示了。受古典乐的影响真是太深了。但是拉赫曼尼洛夫作的曲子很难,听了之后就能意识到正在演奏的钢琴师的手有多大了。”
生活在20世纪的拉赫曼尼洛夫留下了大量自己演奏的录制唱片。他的演奏风格和华丽的肖邦不同,从他直接的演奏中可以听出其注重精神层面,发自灵魂深处的,含蓄的抒情性。能做到这一点的古典音乐作曲家为数不多,而他就是其中一人。

8、 D大调第三管弦乐组曲咏叹调(J·S巴赫)
演奏：柏林爱乐乐团
指挥：卡拉扬（Herbert von Karajan)

前一张的最后也有收录这首曲子, 换句话说,是“G弦上的咏叹”的另一个演奏版本。
比如,就像YOSHIKI自己写的,在X的二枚装album中收录有两个不同的版本一样,这种做法可以看出YOSHIKI作品中独特的浪漫气质。
“因为是充满各种回忆的曲子,还是坚持再一次将其收录。也因为是不同的演奏版本,所以和前一次收录的比较来听的话会很有趣。听了这首曲子,真的会回想起过去一场一场的LIVE呢……”
当这个旋律响起时发生的一幕幕场景,至今仍烙印般地珍藏在很多人的心中,另外这次的演奏是卡拉扬指挥的柏林爱乐乐团的作品。

9、 Amethyst(YOSHIKI)
演奏：伦敦爱乐乐团
指挥：马丁（George Martin）

对于作为专辑压轴的这首曲子,已经没有必要多说什么了吧。

“疲于各种纷繁是非的时候,迷失自我到好象快要不行了的时候,为了给自己的心灵疗伤而创作的曲子。伴随着让人感受到大地般的广博和无限的温柔,以及被永恒包围着的肃穆之感的旋律中,X的音乐会开始了……”
“这是最后也是最初的曲子” 在这种完全被YOSHIKI赋予的双重意义下,album落幕了。在他某一天再次说起那个“暗示”的意思之前,Amethyst优美的旋律将一直回响在你的心中,弹奏着……直到永远……

——羽積秀明　FOOLS’ MATE

后记：
人的吐息韵律加上弦的振动,使空气颤动的时候,产生了“音”。随着时光流逝,比起任何语言,它都能更加准确地传达人的感情、愿望、思维、喜悦、悲伤、愤怒、忏悔……以“音”传达的情感逐渐累积,最终成为了不仅使空气,连人心都被震撼的音乐。其中有些“音乐”超越了国籍、语言、宗教,一直震撼着人们的心灵。换句话说：震撼了数百年的时间长河,成为人们心中永远的存在。

“所以,所谓的古典音乐,决不是生涩难懂的东西,只是单纯地充满了力量的曲子罢了。”

1991年12月12日,一位常这样说的artist发行了一枚名为“古典乐精选集”的专辑。被音乐不可思议的魅力迷得神魂颠倒的少年,全心全意地编辑了本专辑“YOSHIKI SELECTION ~YOSHIKI所爱的古典音乐”,在国内古典乐销售量中不仅创下了惊人的销售成绩,artist本人还与伦敦爱乐乐团和George Martin会面,自身也成为了超越领域和国境间差异的重要媒介。

从那之后的5年……这位从心底里爱热爱着音乐的artist又为热爱着音乐的每一个人奉上。今天再次重新编排的专辑。实际上这个企画很早就在进行了，只是在那之间遭遇了各种状况和命运的变故,使专辑的发行无法实现。他这样说到：
“一直一直在烦恼着……一直,真的有4、5年的时间了。和制作X的专辑花了几乎同样的时间(笑),一个劲地听大量的古典CD……选择,推翻,选择……已经制作了几十个patten,然后有一天突然的,曲子的顺序一下子排列好了。”

融入了那5年间所发生的各种各样的事,遭遇的各种各样的命运、状况,以及自身随时间流逝而经历的成长的这张精选辑中,赌上人生,用音乐的形式表现对命运的挑衅。从遥远的地平线传来了YOSHIKI那发自内心的,比任何言帘卷西风论都要深邃的“永恒的声音”……